Gerçekliği taklit etmekle yetinmeyip onu altüst eden Hyperrealism (Aşırılık Gerçekçiliği), nesne ve insanları son derece detaylı biçimde yakalayan bir sanat akımıdır. 19. yüzyıl realist ressamlarından doğan bu akım, fotoğrafçılığın sanat dünyasını nasıl sarstığı, Photorealism’in (Fotoğrafcı Gerçekçilik) ortaya çıkışı ve Pop Art’ın günlük hayata taşıdığı nesneler üzerinden şekillenmiştir. Terimi 1973’te Belçikalı galerici ve sanat koleksiyoncu Isy Brachot tarafından ilk kez kullanılması, akımın 20. yüzyılın sonu ile 21. yüzyılın başında kendi türünü oluşturarak sosyal ve psikolojik bir eleştiri aracı haline gelmesinin önünü açmıştır.
Hyperrealism, sıkça kendinden önce gelen Photorealism ile karıştırılır; ancak bu iki akım aynı şeyi hedeflemez. Photorealism fotoğrafı taklit etmeye çalışırken, Hyperrealism sıradan olanı öne çıkarmanın yanı sıra bunu bir sosyal eleştiri aracı olarak da kullanır. Akımın taşıdığı en belirgin özellik, gerçeği yeniden üretmenin ötesine geçip yeni bir gerçeklik yaratmasıdır.
Standardın Reddedilişi: Hyperrealism’den Önce
Hyperrealism’in temelleri, 19. yüzyıl Avrupa resmine dayanır. Bu dönemin ressamları, Realism adını verdikleri, yani gerçekçi bir üslup benimsedikleri bir sanat türü temsil etmiştir. Gustave Courbet, Jean-Francois Millet ve Honore Daumier gibi Fransız ressamlar, o dönemin romantik dönemine ya da Romanticism olarak adlandırılan akıma karşı çıkan, ondan ayrılan yeni bir türü temsil etmiştir. Romantizim ile karakterize edilen bu üslup, peyzajlar ya da doğanın öteki öğeleri, mitolojik ya da tarihi sahneler ya da bireyin kahramanlık fikri üzerinden yoğunluk ve dram kullanırdı.
Courbet, Millet ve Daumier’i ortaklaştıran şey, doğayı ya yıkımının ya da güzelliğinin doruk noktasında, hayali bir anlatıya bağlanmış önemli bir tarihi an yerine, sıradan insanların dünyasını, yaşamını, emeğini ve deneyimlerini resmetmek istemeleriydi.
Bu sayede ressamlar, şeylerin o anda nasıl göründüğünü yakaladı; tuval ya da heykel üzerinde gerçek bir zaman ve uzaydan sahne yeniden yaratıldı. Romanticism‘den farklı olarak realist ressamlar, sıradan insanları ve çevrelerini olabildiğince gerçekçi biçimde resmetmeyi, eklenen dramı ya abartıyı terketmeyi hedefledi. Bazen eserlerinin konuları işçiler, tarım işçileri ve yoksulluk içinde yaşayanları da içeriyordu.
Bu insanları konularının önüne koyarak geniş toplumsal konulara—ekonomik eşitsizliklere, haksızlıklara ve toplumların marjinalleşmiş kesimlerinin yaşadığı diğer mücadelelere—parmak bastılar. Bu sosyal eleştiri öğesi, 20. yüzyılın sonu ile 21. yüzyılın başında Hyperrealism akımının eserlerinde yeniden karşımıza çıkacak. Realizmin yalnızca Fransa‘da kalmayıp Avrupa genelinde yayıldığı ve farklı ressamların bunu kendi ülkelerinde yaygınlaşan eşitsizlikleri araştırmak ve sunmak için kullandığını belirtmek önemlidir.
Fotoğrafın Taklidi
Photography de realizmin ortaya çıkışında büyük rol oynadı; çünkü sanatın ve temsilin manzarasını baştan sona değiştirdi. Fotoğrafın, lensin önündeki şeyi nesnel biçimde yakalama yeteneği, ressamlar için ilginç bir ikilem yarattı; artık gerçeği yeniden yaratmak için ellerine artık o eski derecede güvenilmiyordu. Bu durum bazı ressamları photography as their sole artistic medium yani sanatlarını yalnızca fotoğraf üzerinden sürdürmeye yönlendirirken, diğerleri bunu başka sanat türlerini araştırmak için bir bahane olarak gördü; amaç gerçeği interesting dilemma was created for artists yakalamak değil, yeni bir gerçeklik yaratmaktı.
Realist ressamların bazıları fotoğrafları eserlerinin referansı olarak kullandı. Gustave Courbet, eserlerini yaratmak için modellerinin fotoğraflarını kullandı. Fotoğraf ve resim, özellikle 20. yüzyılda fotorealist akımın ressamlarıyla daha da iç içe geçti.
Photorealism, Hyperrealism’in Önündeki Akım
Fotoğraf gerçeği betimleyebildiğinden, ressamlar insan psikisini, duygularını ve soyutlamaya daha çok yönelen sanatın yeni rolünü araştırmaya başladı. Bu, Pablo Picasso gibi ressamların ve Fauvism, Expressionism ve Cubism gibi sanat akımlarının önünü açtı. 1960’larda belirsizlik bu kez realizm yönüne döndü; çünkü dönemin bazı ressamları sanat üretiminin soyutlama açısından aşırı doymuş olduğunu düşünüyorladı. 19. yüzyıl realistleri gibi fotorealister de o dönemin standardından ya da popülerleşenden uzaklaşarak sanat üretmeye başladı.
Bu sayede ressamlar, ilham kaynağı ve referans noktası olarak fotoğrafa geri döndü ve Photorealism türünü oluşturdu. Photorealism tabi tutulma ve kişisel bakış açısı değil, bir fotoğrafın konuyu nasıl betilediğini tam olarak yeniden üretmeye çalışırdı. Birçok durumda bu, fotoğrafları resimlerin doğrudan referansı olarak kullanmayı gerektiriyordu.
En bilinen örneklerden biri, Amerikan ressam Chuck Close’ın 1967 ile 1968 arasında tamamladığı Big Self-Portrait (Büyük Özportre) eseridir. Resim bir fotoğrafla başladı; Close, bunun üzerine bir ızgara sistemi kurup onu karelerin dizisine böldü. Sekiz ayaklık bir tuval kullanarak resmi kare kare yeniden yarattı ve yüzünün her gölgesini, detayı ve kusurunu yakaladı. Photorealists ayrıca 1950’ler ve 1960’ların sanat manzarasını şekillendiren diğer akımlardan da etkilendi.
Pop Art’ın Etkisi
Amerika’daki savaş sonrası ortam, birçok yerdeki gibi ABD’nin yeni kimliğini aktif biçimde inşa ediyordu. Bu, yeni alanlar—fast food restoranları, tüketim pazarının yeni ürünler ve buna eşlik eden reklamlarla dolması ve Amerikan nesneleri ile şirketlerinin teşvik edilmesi—üzerinden gerçekleşti. Bu dönemde Amerikan olmak ne anlama geliyordu ve Amerika nasıl görünüyordu? Pop Art akımının ressamları, bu soruları, reklam ve seri üretim gibi olanaklarla günlük hayata sinen kültürün ticarileşmesi üzerine bir eleştiri içeren eserleriyle araştırdı. Pop Art movement
Pop Art’ın Birleşik Krallık’ta doğup ardından yayılarak ABD’de popülerleştiğini belirtmek önemlidir. Pop Art’ın temel öğelerinden biri, neredeyse her yerde seri üretimle ulaşılabilir, sıradan görünen nesnelerin sanat eserinin önüne ya da hatta sanatın kendisine konmasıydı. Örneğin Andy Warhol’s Campbell’s Soup cans düşünebilirsiniz.
Günlük olanın bu yükseltilmesi, photorealists gibi diğer fotorealisterin eserlerine de dahil oldu. Ralph Goings’in resimlerinde, Americana (Amerikan yaşam tarzı) fikirleri, son derece detaylı bir diner (amerikan restoranı) iç mekanının yeniden üretimi içinde birleşiyordu. Diner, ülkenin dört bir yanındaki Amerikan kasabalarının mimari ve kültürel bir dayanağıdır ve Edward Hopper’s Nighthawks gibi eserlerde anılaştırılmıştır. Diner, savaş sonrası dönemde hem aile dostu bir hem de gençlerin takıldığı bir mekan olarak popülerleşti.
Goings’in resimlerini saran bir nostalji duygusu, son derece sıradan görünen ama aynı zamanda ABD genelinde her yerde var olan bir alanı öne çıkarmasıyla ortaya çıkar. Hangi diner’i betimlerse betimlesin, izleyici ile eser arasında tanıdık bir bağ oluşur. Bu, iç mekan düzenlemesi, Heinz ketçap şişeleri, donutlar ve hatta kahve mugarı üzerinden gerçekleşir. Bu durum, özellikle savaş sonrası dönemde kültürün nasıl ticarileştiğine değinen Pop Art ressamlarının araştırdığı konularla birleşir.
Audrey Flack ayrıca 1970’lerden gelen eserleriyle büyük ölçüde tanınan bir fotorealist ressamdır. Still Life (Duran Doğu) serisinde, sıradan görünen nesneleri tuvalinin merkezine yerleştirir ve bu, tematik olarak yaşam ve ölüm üzerine referanslar içeren yüzyıllık doğaüstü (duran doğu) türüne atıfta bulunur. Flack bunu kartlar, aile fotoğrafları, rujlar ve diğer küçük nesneler aracılığıyla yapar.
Flack, Goings ve Close’ın eserleri sıradan olanı muazzam teknik beceriyle resmin önüne koysa da, aynı zamanda eserlerinin yüzeylerinin altında sunacak bir şey içermediği için eleştirildi. En büyük eleştirmenlerinden bazıları, teknik özenine bağlı olarak fotorealisterin eserlerinin duygusal, manevi ya da psikolojik derinlik ya da anlam eksikliği taşıdığını iddia etti.
Aşırılık Gerçekliği (Hyperrealism)
L’hyperréalisme ya da Hyperrealism terimini ilk kez Belçikalı galerici ve sanat koleksiyoncu Isy Brachot, o dönemde fotorealist sayılan Chuck Close, Ralph Goings ve Gerhard Richter gibi ressamların katılımıyla düzenlediği 1973 sergisi için uydurdu. O zamandan beri Hyperrealism terimi, yukarıda adı geçen önceki sanat akımlarından büyük etkilenme taşısa da, tamamen kendi türüne dönüştü. Hyperrealism differentiates from Photorealism çünkü sosyal, duygusal ya da psikolojik eleştiriye, ya da üçüne birden eğilir.
Bunun bir örneği Duane Hanson’ın sanatıdır. 1970’lerde heykelleri, sadece varis topları, morarmalar ve kusurlar gibi ayrıntılı gerçekçiliğiyle değil, aynı zamanda tüketimcilik, yalnızlık ve insan deneyimi gibi konulara değinmesiyle de tanındı. Aşırı kilolu, komik biçimde giyindirilmiş, izleyicinin arkasına boş boş bakan Amerikalıları betimleyen heykellerinde, konular çoğu zaman tatil için giyilmiş ya da tüketim ürünleri taşıyor olsa bile, yalnızlık ve özlem duygusu vardır.
Marilyn Minter, Hyperrealism’in günlük dünyamıza nasıl eleştirel bakabildiğine dair başka bir örnek sunar. Yüksek topuklu ayakkabıyla, elmas ve diğer mücevherlerle süslenmiş kadın ayaklarını betimleyen eserlerinde, ayaklar çamur, toz ve kirle kaplıdır. Bu zıtlık, kadınlara yönelik, kadınları ya da yalnızca bedenlerinin bir bölümünü mükemmel bakımlı ve idealize edilmiş biçimde gösteren reklamlara doğrudan bir yanıttır. Minter’in resimlerindeki parçalanmış gerçekçilik, aynı zamanda Hyperrealism’in kendisinin ayırt edici bir özelliğidir.
Aşırılık Gerçekçiliği resimleri ve heykelleri, yalnızca bir fotoğrafı yeniden üretmeyi amaçlamaz; bunun yerine bir fotoğrafın ya da gerçeğin kendisinin ötesine geçme çabasındadır. 19. yüzyıl realizmi gibi Hyperrealism de dijital kameranın icadı ile birlikte ortaya çıktı; dijital kamera, analog fotoğrafcılığın ötesine geçen bir detay düzeyini yakalıyordu. Hyperrealism’de dijital fotoğraflar çoğu zaman referans olarak kullanılır, ancak orijinalinde mevcut olmayan ek detaylar eklenerek fotoğrafınkinden bile üstün yeni bir gerçeklik yaratılır.
Ralph Goings ve Audrey Flack’ın eserlerinin tersine, nostalji ve konfor duygusu yaratmak yerine, Hyperrealism neredeyse izleyiciyi detayın yoğunluğuyla sarsar ve huzursuz eder; bu durum aynı zamanda boyut üzerinden de pekiştirilir. Örneğin Ron Mueck’in heykellerini düşünebilirsiniz; Mueck, konularının baş ağrıtan bir özenle, çoğu zaman samimi anlarında—uyuyan bir erkek, doğumdan saniyeler sonraki bir bebek ya da yattıkları bir çift—insanın kendine özgü özelliklerini yakalar. Sıradan görünseler bile, çene tüyünden bireysel kıllara kadar olan detay miktarı, izleyici için huzursuz bir atmosfer yaratır. Heykellerinin çoğu tüm odaları kaplayan boyutu da buna eklenir; örneğin Boy (Oğlan) ya Girl (Kız) eserleri gibi. Detayın aşırılığı ile talep eden fiziksel varlık, Hyperrealist eserlerin ayırt edici bir özelliğidir.
Hyperrealism: Dünyayı Görmek İçin Bir Pencere
Sosyal eleştiriye geri dönersek, Hyperrealist ressamlar için konu seçimi çoğu zaman sosyal ya da politik açıdan yüklüdür. Denis Peterson’in resimleri genellikle toplumun marginalinde yaşayan insanları betimler. Peterson’ın eserleri, günlük insanları öne çıkararak Realism, Pop Art ve Photorealism’i andırır; ancak ortaya çıkardığı günlük hayat, modern dünyamızın altındır. Evsiz insanların, restoranlarda yemek yiyen insanlarla, tüketim ürünleri reklamları ya da konularına hiç önem vermeyen, insanlarla dolu sokaklarla zıtlık içinde betimlenmesi… Eserleri, toplumda bakmamız söylenen insanlara bakmayı isteyen izleyiciyi meyok okur.
Dünyayı sanat ve görsel kültür aracılığıyla temsil etmek yeni bir olgu değildir. Hyperrealist sanat eserleri, son derece teknik icraatları sayesinde görsel açıdan büyüleyici olsa da, aynı zamanda insan varoluşumuzu ve modern dünyanın karmaşıklığını şekillendiren daha büyük soruları ve gerçekleri de kazırlar. Gerçeğin hem bir yeniden üretimi hem de bir abartısıdırlar; belki de kendi başlarına yeni bir gerçeklik yaratırlar.
Henüz yorum yok