•1950’lerde Amerika’da sinema salonlarına gelen seyircilerin azalması, Hollywood’u gençlere yönelik yeni bir film üretimine itti. Bu dönüşümün iki temel nedeni vardı: eski stüdyo sisteminin çöküşü ve izleyiciyi evinde ücretsiz eğlenceye yönlendiren televizyonun yükselişi. Salonlar, ortaya çıkan gençlik kültürünün buluşma noktasına dönerek Hollywood’u 1945 sonrası yeni bir seyirci kitlesine yöneltti.
otarih_thecollector_history sitesinde yayımlanan habere göre, II. Κόσμος Savaşı‘nın ardından başlayan ekonomik patlama, modern genç kuşağının (teenager) doğuşunu tetikledi.
1950’lerden önce sinema; çocuklar, gençler, genç çiftler, ev hanımları, işçiler ve yaşlılardan oluşan çok nesillilik kitlelere hitap eden bir ortamdı. Ev halkının birlikte katıldığı evrenbir eğlence biçimiydi.
Savaş sonrası banliyöleşme ve televizyonun yayılması sinema salonlarına gelenleri azalttı. İkinci Κόσμος Savaşı‘nın ardından milyonlarca Amerikalı yeni inşa edilen banliyölere yerleşip ev merkezli bir yaşama yöneldi. Aynı dönemde televizyon sahipliği hızla arttı; aileler evde daha çok vakit geçirdi ve 1949-1959 arasında sinema salonlarına gelen seyirciler yüzde 50’nin üzerinde düştü.
Bu sorunu çözmek için yapımcılar, büyük ölçekte salonlara düzenli giden tek grup olan gençlere odaklandı. Gençler hem filmlerin hedeflediği pazar hem de emerging gençlik kültürünün taşıdığı çekici içerik oldu: hızlı tempolu rok müziği, drag yarışı ve lise öfkesi. Savaş sonrası kuşak, önceki Amerikalı nesillerden farklıydı; sayıları daha fazlaydı, elinde daha çok para vardı ve kendilerini bir genç kuşağı olarak daha bilinçli hissettiler.
Yapımcılar bu sömürü (exploitation) öğelerini harmanlayarak hibrit filmler üretti ve gençlik filmlerinin yeni alt türü olan “suçlu gençler” (juvenile delinquency) filmi ortaya çıktı. Bu türe ait iki dikkat çeken örnek, Richard Brooks’un 1955 yapımı Blackboard Jungle’ı ve Nicholas Ray’ın 1955 yap Rebel Without a Cause’uydu. Her iki film de gençliği; kendine, başkalarına ve sosyal düzene zarar veren bir sosyal problem olarak gösterdi. Ciddi kârlar elde etmenin yanı sıra bu filmler ülkenin gençleriyle güçlü bir yankı buldu. II. Κόσμος Savaşı’nın sonuna kadar “teenager” (genç) terimi, hem sosyal statü hem de kronolojik yaş tanımlamak için yaygın kullanıma girdi.
Stüdyo sisteminin çöküşü, izleyiciye nasıl güç verdi?
Eski stüdyo sisteminin çöküşü, 1948’deki Paramount Kararı ile başladı. United States versus Paramount Pictures, Inc. adlı rekabet karşıtı davada Yargıtay, Hollywood’un büyük stüdyolarını salon zincirlerinden kurtulmaya ve block booking (toplu kiralamaya) gibi rekabet karşıtı uygulamalardan vazgeçmeye zorladı. En büyük stüdyo olduğu için Paramount Pictures birincil davalıydı; ancak Big Five olarak adlandırılan beş büyük stüdyonun tümü isimlendirildi: Metro-Goldwyn-Mayer, Warner Bros. Pictures, 20th Century Fox ve RKO Pictures.
Bu büyük film stüdyoları, ülkenin salonlarının çoğunda tekel konumundaydı. Üretim, dağıtım ve gösterimin neredeyse her yönünü kontrol ettikleri için seyirci talebinden bağımsız olarak ekran süresini güvence altına alabilir ve sinemada Amerikalıların ne izleyeceğini büyük ölçüde belirleyebilirdi.
Paramount Kararı uygulandığında, bağımsalon sahipleri filmleri tek tek seçme özgürlüğüne sahip oldu; stüdyo paketleri yerine programlarını yerel talep ve seyirci zevkine göre kurdu. Stüdyoların bilet satın almak için izleyiciyi ikna etmesi gerektiğinden, yapımcılar kimlerin sinemaya geldiğine ve zevklerinin ne olduğuna daha çok dikkat etti.
1952’de ikinci bir karar izledi. Miracle Kararı, filmlere Anayasa’nın Birinci Değişikliği korumasını getirdi; bu da film sansürünün hukuki dayanağını zayıflatıp ekranda işlenebilecek ahlaki konuların yelpazesini açtı. Yapımcılar suçlu gençler ve isyan gibi daha tartışmalı temaları araştırabildi. Bu, televizyonda bulunandan daha yetişkin içerik görebildikleri için gençleri çekti.
Sürüşlü sinema salonları (drive-in), ebeveyn denetiminden kaçışın en iyi yolu oldu
Suçlu gençler, yaygın bir exploitation film konusuydu. Genç suçluluğun nedeni başlangıçta zayıf sosyoekonomik durumla ilişkilendirildi. Yoksulluk nedense, savaş sonrası 1950’lerin refah kültürü suçluluktan arınmış olmalıydı; öyle değildi. İsyancı ve mesafeli davranışlar, gençlerin sık gittiği sinema salonlarında düzenli bir sorundu; özellikle rehberler (ushers) ve görevliler için.
1950’lerin isyankâr filmleri, baskıcı ve otoriter ebeveynlere karşı direniş ve öfke üzerine kurülüydü; böylece bastırılma altında bağımsız bir gençlik altkültürünü şekillendirdi. 1950’lerin başına kadar Amerika Birleşik Devletleri genelinde binlerce drive-in (sürüşlü) sinema salonu açıldı. Geleneksel kapalı salonlardan farklı olarak drive-in, farklı bir sosyal ortamdı; salondaki halka açık disiplin kuralları—reherber adetleri, oturma düzeni ve yetişkin seyirciye yakınlık—kalkmıştı. İzleyiciler kendi araçlarının içine yerleştirildi. Özellikle gençler ve çiftler için bu, ebeveyn denetiminden uzak bir gizlilik ve bağımsızlık alanı yarattı.
Drive-in sineması hızla gençlik kültürüyle özdeşleşti. Göstermeciler, aile dostu filmler yerine genç zevklerine ve eğilimlerine hitap eden filmleri aramaya başladı. Bu da özellikle düşük bütçeli korku, bilim kurgu ve plaj partisi filmleri olmak üzere sömürü filmleri için kârlı bir pazar yarattı.
Gene Fowler Jr.’ın I Was a Teenage Werewolf’u ile Edward L. Cahn’ın Invasion of the Saucer Men’i olan 1957 çift gösterimi, suçlu gençler türünü bilim kurgu ve korkuyla birleştirmeye dair en erken ve başarılı girişlerden biri. I Was a Teenage Werewolf, rok müziğinin bir korku filminde ilk kez yer almasını sağladı; bu da gençlik kültürünün Hollywood sinemasının evrimindeki artan etkisini yansıttı.
Hollywood lüksüne karşı savaş sonrası gerçekçilik ve yabancı sinema
II. Κόσμος Savaşı’nın sonu, izleyicilerin sinemaya dair beklentilerini yeniden şekillendiren bir Amerika kültürü geçişine yol açtı. Geri dönen askerler; klasik Hollywood yapımının sıradan iyimserliğiyle uymayan travma, hayal kırıklığı ve ahlaki belirsizlik deneyimlerini taşıdı. Screwball komedileri, müzikaller ve melodramların kaçış (escapism) özelliği, Soğuk Savaş‘la ilgili kaygılarla uğraşan bir savaştan dönen nesille eskisi kadar etkili değildi.
Jeopolitik manzara nükleer savaş tehdidine doğru evrilirken, Hollywood’un yerleşik formüllerine dair tutumlar da aynı şekilde değişti. Sonuç olarak Hollywood bu değişikliklere uyum sağladı. Film Noir (siyah film), bu geçişin en açık ifadesi olarak savaş sırasında ortaya çıktı.
Film Noir; cinizme, ahlaki belirsizliğe ve keskin aydınlatma tasarımına dayanır. Fatalizm, yabancılaşma ve varoluşsal korku temaları, türün tipik karakterlerinde—antihero (kahramansız), femme fatale (tehlikeli kadın) ve yozlaşmış otorite—yansıyordu. Bu temalar, küresel savaşla değişmiş bir nesli yansıttı.
Film Noir’un görsel stili büyük ölçüde Alman İfadeciliği‘nden etkilenmiştir. Fritz Lang’ın 1945 yapımı Scarlet Street’i ve Billy Wilder’ın 1944 yapımı Double Indemnity’si, Film Noir’un estetiğini şekillendirmede merkezdi. Bu filmler birlikte ahlaki netliği belirsizlikle, psikolojik gerilimi ise yer aldı.
Amerikan izleyiciler bağımsız sanat sinemaları üzerinden İtalyan Gerçekçiliği ve erken Fransız Yeni Dalgası sinemasına erişti. Roberto Rossellini ve Vittorio De Sica gibi yönetmenler, Hollywood’un Amerikan Hays Film Yapım Kodu altındaki ahlaki kısıtlamalarla keskin biçimde çelişen günlük mücadelelerin otantik betimlemelerini sundu. Bu yabancı filmler, Hollywood’u daha gerçekçiye ve tematik özgürlüğe yönlendirmek için baskıyı artırdı.
Baby Boom nesli, Yeni Hollywood devrimini ateşledi
Savaş sonrası Hollywood sinemasının evrimi, 1950’lerde gençlerin ve gençlik seyircisinin yükselişiyle sona ermedi. Aksine, sonraki on yıllarda daha büyük bir yapısal değişim için gerekli temeli attı. II. Κόσμος Savaşı’nın ardından doğan Baby Boomers (bebek patlaması nesli), gençlere yönelik filmlerle şekillenmiş, banliyö dinlencesi ve genç tüketicilerin artan ticari önemi içeren bir medya ortamında büyüdü.
Bu yüzden Baby Boomers 1960’larda ergenliğe ulaştığında, gençleri kendi zevkleri ve etkisi olan ayrı bir kimlik olarak tanıyan bir kültürün parçasıydılar.
Baby Boomers Soğuk Savaş arka planına karşı olgunlaşırken, stüdyo döneminin cilalı ahlaki kesinliği reddetti. Bunun yerine isyiş, belirsizlik ve kuruma karşı çıkma duygusuyla betimlenen filmlere yanıt verdi.
Bu, Arthur Penn’ın 1967 yapımı Bonnie and Clyde’si ve Dennis Hopper’ın 1969 yapımı Easy Rider’ı gibi dönüm noktası filmlerle pekişti. Bonnie and Clyde, 1967’nin en yüksek gelir getiren filmlerinden birine dönüştü; karşı kültürle yankı bulan birçok sinematik tabuyu kırarak Yeni Hollywood çağının ilk filmlerinden biri olarak görülüyor. Bu da yapımcıları filmlerinde cinsellik ve şiddeti daha açık betimlemeye yöneltti. Easy Rider, 1960’larda ergenlere yönelik gerilimleri—özellikle hippie hareketinin yükselişi, uyuşturucu kullanımı ve komünel yaşam tarzı—nasıl işlediği nedeniyle dönük kültür için bir dönüm noktası film oldu.
Böylece Yeni Hollywood ortaya çıktı. Stüdyolar, izleyicilerin artık homojen olmadığı; yaşa, ideolojiye ve yaşam tarzına göre parçalandığı gerçeğini tanıyarak evrenkim aile çekiciliğinden, hedefe yönelik yapım yapmaya geçti. Özellikle demografik hedefleme ve seyirci etkilenimli üretim olmak üzere modern blockbüstere (büyük bütçeli film) dayanak, 1945’te yapımcilerin gençlerin kültürel etkisini ilk kez fark ettiği II. Κόσμος Savaşı sonrası Hollywood sinemasının yeniden yapilanmasına izlenebilir.
Δεν υπάρχουν σχόλια ακόμα